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Películas favoritas de Guillermo del Toro

La colección de Criterion posé un acervo de películas clásicas y contemporáneas reunidas en ediciones especiales y cuenta con obras de célebres cineastas como Renoir, Godard, Kurosawa, Cocteau, Fellini, Bergman, Tarkovsky, Hitchcock, Fuller, Lean, Kubrick, Lang, Sturges, Dreyer, Eisenstein, Ozu, Sirk y Buñuel.

En un divertido y didáctico ejercicio se les pidió a algunos reconocidos cineastas que enlistaran sus diez películas favoritas de la colección. Uno de los entrevistados fue Guillermo del Toro, quien ante la pregunta de sus diez películas favoritas, respondió: “injusta, arbitraria y sádica práctica de los top’s ten” por lo que prefirió hacer un recuento de sus cineastas y temáticas favoritas.

1. Akira Kurosawa

  • Trono de Sangre (1957)
  • Cielo e Infierno (1963)
  • Ran (1985)

Trono de Sangre (1957)

Kurosawa, siendo uno de los maestros esenciales, está mejor representado por éstas, sus películas más operativas, pesimistas y visualmente espectaculares. Intenta adivinar cuál es cuál. Cómo logró ser exuberante y elegante al mismo tiempo será uno de los grandes misterios de la vida.

2. Ingmar Bergman

  • El séptimo sello (1957)
  • Fanny y Alexander (1984)

El séptimo sello (1957)

Mi Bergman favorito es como contador de fábulas, es absolutamente fascinante. Estas dos películas tienen el pulso primitivo de una fábula para niños contada por un narrador viejo y sabio. Fanny y Alexander es Dickens. Ambos cuentos son perfectos con imágenes fantásticas y un sentido agudo de lo misterioso. Además, a menudo me sorprende cómo el humor y los elementos cómicos en El séptimo sello parecen ser pasados por alto en favor de su reputación como una película de arte “serio” por excelencia.

3. 

  • La bella y bestia (1946), de Jean Cocteau
  • Eyes Without a Face (1960), Georges Franju

La bella y bestia (1946)

La belleza y la bestia puede ser tenue y delicada, donde Eyes Without a Face es madura y pulposa, pero estas películas son poemas magníficos, oscuros sobre la fragilidad y el horror. Ambas fábulas dependen de imágenes sublimes, casi etéreas, para transmitir una sensación de perdición: amor loco y frágil aferrado a la vida en un torbellino de tinieblas. El choque de imágenes fantasmales y encantadoras rara vez ha sido más poderoso. Eyes Without a Face también tiene una extraordinaria banda sonora.

4. David Lean

  • Grandes Esperanzas (1946)
  • Oliver Twist (1948)

Grandes Esperanzas (1946)

La mayoría de la gente recuerda a David Lean por sus películas épicas de gran escala, como Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia o El puente sobre el río Kwai. Pero aquí está en su forma más precisa y poética. Ambas películas son épicas y ambas están plagadas de magníficos momentos y entornos mágicos; ya sea mostrando a la madre de Oliver esforzándose y sufriendo, intercalando con una rama flexionada de espinas, o quedándose amorosamente en el esplendor decadente de la señorita Havisham, Lean entiende la necesidad de la hipérbole para manejar los arquetipos Dickensianos. Algunos de los pasajes de ambas películas discurren entre la poesía y el horror.

5. Terry Gilliam

  • Los héroes del tiempo (1981)
  • Brazil (1985)

Brazil (1985)

Terry Gilliam es un tesoro vivo, y lo estamos desperdiciando tontamente con cada una de sus películas que permanece sin hacer. La prueba de que nuestro mundo es más pobre sin más películas  de él se puede encontrar en dos de sus obras maestras. Gilliam es una fabulista repleto de imágenes y con una imaginación feroz e indomable. Entiende que el “mal gusto” es la declaración definitiva de independencia del discreto encanto de la burguesía. Salta sin red de seguridad y nos arrastra con él a un mundo fabricado sólo por su fe eterna en la historia que cuenta. Brazil sigue siendo una de las películas más importantes de mi vida, y Los héroes del tiempo es un hito de Roald Dahl-ian para todas las películas de fantasía. Viendo Los héroes del tiempo con mi hija más joven apenas hace dos semanas, me encantó cuando ella rió y se regocijó en el momento en que los padres de Kevin explotan en una nube de humo.

6. Kaneto Shindo

  • Onibaba, el mito del sexo (1964)
  • Kuroneko (1968)

Onibaba, el mito del sexo (1964)

El horror y el deseo, la muerte y la lujuria van de la mano en Onibaba y Kuroneko, una perversa y sudorosa cuenta doble de Kaneto Shindo. Vi estas dos películas a los diez años, y causaron un serio daño a mi psique. Ambas son fábulas perfectas arraigadas en el folklore japonés, pero muy modernas en su enfoque de la violencia y la sexualidad. Tan exuberante y exquisita como una escultura netsuke, estas joyas atmosféricas muestran a la humanidad atrapada en un mundo cósmicamente malvado. Los cuentos parecen encajar tan perfectamente que se funden en uno a medida que pasa el tiempo. Onibaba y Kuroneko hacen una cuenta doble perfecta para el segundo círculo del infierno.

7. Stanley Kubrick

  • Senderos de gloria (1957)
  • Espartaco (1960)

Espartaco (1960)

Kubrick era un temible intelecto. Su forma de hacer películas y su narración siguen siendo tan misteriosas como convincentes. La ilusión de control sobre el medio es total. Ambas películas hablan elocuentemente sobre la escala de un hombre a contracorriente de la historia, y ambas ponen la vara más alta para las películas “históricas” por venir. Senderos de gloria es una aguda crítica a la máquina de guerra, tan pertinente ahora como lo era en su día. Sospecho, sin embargo, que Kubrick también era un director altamente instintivo, y que lo tomó incesantemente para sus películas. Una anécdota nos dice que él pidió a Kirk Douglas que se quedara en la cama unos días más después de un accidente, porque Kubrick estaba usando el “tiempo fuera” para entender la película que estaban haciendo.

8. Preston Sturges

  • Los viajes de Sullivan (1941)
  • Infielmente tuyo (1948)

Los viajes de Sullivan (1941)

La flama que brilla más se quema más rápido, como dice el refrán – y las películas de y la carrera meteórica y desconcertante de Sturges lo confirman. Se trata de películas magistrales llenas de una energía de locura y fuegos artificiales, pero Los viajes de Sullivan también logra encapsular una de las reflexiones más íntimas sobre el papel del cineasta como actor. Muchos han intentado explotar el mismo campo que Sturges, y todos han fracasado.

9. Terror y poesia

  • Vampyr (1932), Carl Th. Dreyer
  • Häxan (1922), de Benjamin Christensen

Vampyr (1932)

Terror puro y poesía pura, ambos provienen de las tradiciones medievales distintivas. Häxan es el equivalente fílmico de un grabado infernal de Bruegel o una pintura del Bosco. Es un registro extrañamente excitante del pecado y la perversidad tan lleno de temor como de deseo y convicción atea,una condenación de la superstición que está mórbidamente enamorada de su sujeto. Vampyr es, estrictamente hablando, un memento mori, un severo recordatorio de la muerte como el umbral de la liberación espiritual. Al igual que cualquier memento mori, la película tiene la imagen mórbida correcta (cráneo, guadaña, limbo blanco) para maximizar el impacto de las imágenes hermosas, casi intangibles que lo concluyen.

10. La infancia

  • El espíritu de la colmena (1973), de Víctor Erice
  • La noche del cazador (1955), de Charles Laughton

El espíritu de la colmena (1973)

Las dos obras supremas de la infancia/horror. Lamentaciones de los mundos perdidos y de los inocentes atrapados en ellos. Sublimes cuentos de hadas de desesperación que representan el mundo adulto como un ambiente tóxico para los niños. Los tesoros secretos guardados en los corazones de los niños deben ser salvaguardados de la corrupción de un mundo adulto lleno de certidumbre y arrogancia. Ambas películas son tan hermosas y tan oscuras que realmente me hacen llorar de asombro.